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viernes, 29 de agosto de 2014

Doce citas con fotógrafos: Agosto. Andreas Gursky


Termina el mes de Agosto y seguimos con el proyecto Doce citas con fotógrafos junto a mis chicas de El Objetivo Mágico.

Nuestra cita este mes ha sido con Andreas Gursky.

Andreas Gursky (15 de Enero de 1955, Leipzig) es un fotógrafo alemán conocido fundamentalmente por sus trabajos en gran formato y que trabaja con imágenes en color procesadas digitalmente. Es uno de los fotógrafos más exitosos de la fotografía contemporánea. Andreas Gursky nació en una familia de fotógrafos, ya que tanto su padre, Willy Gursky, como su abuelo Nazi Hans (1890–1960) han sido fotógrafos publicitarios.Desde muy joven se familiarizó con la fotografía comercial. Estudió Comunicación Visual en la universidad de Duisburg-Essen y al mismo tiempo cursó estudios en la Academia de Arte de Düsseldorf. Junto a los fotógrafos Axel Hütte, Jörg Sasse, Thomas Struth, Candida Höfer y Thomas Ruff pertenece al grupo de la Escuela de Becher (‘’Becher-Schüler’’), conocidos como la Escuela de Fotografía de Düsseldorf.

Sus fotografías, de gran formato y ricas en color y detalle, representan con frecuencia lugares de intercambio humano vinculados a la sociedad tardo-capitalista, espacios públicos como aeropuertos, estaciones, discotecas, edificios de bolsa, parlamentos, plantas industriales, oficinas, hoteles, supermercados, o piscinas; así como lugares donde lo humano constituye únicamente una huella anecdótica.En sus fotografías de exterior en las que retrata paisajes de montaña, cataratas y carreteras donde se aprecia la inmensidad del entorno en contraste con la pequeñez de lo humano. La repetición juega un papel muy importante en la obra de Gursky. En sus fotos aparecen a menudo acumulaciones de objetos similares que, a pesar de la complejidad evidente, mantienen un orden implícito.

Gursky incorpora a su técnica fotográfica las ventajas de los avances tecnológicos en el proceso fotográfico. La manipulación digital sirve a Gursky para crear un mundo inventado en el que, sin embargo, el espectador de sus fotografías se sabe reconocer de inmediato.A primera vista, las imágenes de Gursky llevan al engaño. No son un mero clic en una cámara que cuesta varios miles de euros. Utiliza métodos digitales para trabajar con las imágenes, añadiendo efectos o suprimiendo partes de la composición. Como la paleta de un pintor.

Ha expuesto en instituciones de todo el mundo. Su fotografía 99 Cent II Diptychon se sitúa en el cuarto lugar en la lista de fotografías más caras vendidas de toda la historia, y su fotografía Rhein II es actualmente la foto más cara vendida de toda la historia, y por la que más dinero se ha pagado en una subasta.

Sus fotografías, aparentemente frías y descontextualizadas, aunque caracterizadas por su impecable sentido de la composición, se convierten en crudos inventarios de la sociedad de consumo.

Este mes ha sido diferente para mí, porque he sido yo quien escogió a este autor para trabajar sobre él durante todo este mes. Lo descubrí en el curso de Composición de Encandilarte Fotografía que realicé en febrero del año pasado y me fascinó. Y decidí escogerlo para este reto porque es completamente distinto a todos los fotógrafos en los que habíamos trabajado hasta ahora, y es bueno salir de la zona cómoda. A mí me ha hecho sudar tinta, y me queda muchísimo que aprender todavía en este tipo de fotografía. Pero ha valido la pena y estoy muy contenta. Reconozco que ha habido días que me he bloqueado, y ha sido gracias a mis compañeras que he podido resolver y llevar a cabo la edición de todas estas fotografías. Todos los meses lo digo pero necesito repetirlo, mis compañeras de El Objetivo Mágico son lo mejor, sin ellas nunca habría sido capaz de avanzar tanto. Gracias chicas!! ♥ ♥

Aquí está el trabajo que he realizado este mes inspirándome en la obra de este grandioso fotógrafo:








"El espacio es muy importante para mí, pero de una manera abstracta. Quizás para intentar entender no solo que estamos viviendo en cierto edificio o en un determinado lugar, sino para darnos cuenta de que estamos viviendo en un planeta que está viajando a una velocidad enorme por el universo.” 
(A.Gursky)

domingo, 10 de agosto de 2014

El mar. Regreso

El mar me calma, me equilibra. Pasear junto al mar es un ritual, porque no concibo unas vacaciones sin regresar a él, desde que la memoria me alcanza. Y en estos paseos nunca falta mi cámara.


El mar, el mar y tú, plural espejo,
el mar de torso perezoso y lento
nadando por el mar, del mar sediento:
el mar que muere y nace en un reflejo.
[...]

(Octavio Paz)










viernes, 8 de agosto de 2014

Doce citas con fotógrafos: Julio. Richard Avedon

Termina el mes de Julio y seguimos con el proyecto Doce citas con fotógrafos junto a mis chicas de El Objetivo Mágico.

Este mes la cita ha sido con Richard Avedon.

Richard Avedon (Nueva York 1923, San Antonio, Texas 2004) comenzó su carrera profesional en los años 50, realizando espléndidos trabajos de moda para la revista Harpers Bazaar, donde acabó convirtiéndose en jefe de fotografía. Posteriormente, habría de colaborar igualmente con otras importantes revistas como Vogue, Life y Look. En 1959 publica Observaciones, obra que contiene retratos de personalidades y algunas fotos de moda, con la que obtiene una gran repercusión.

En los años 60, Avedon se reveló como un artista comprometido con las inquietudes sociales de su tiempo, fotografiando durante el año 1963 el Movimiento por los Derechos Civiles en el sur de los Estados Unidos, colaborando en los siguientes años con James Baldwin en el libro Nothing Personal. Este libro es una primera aproximación hacia los contrastes de la sociedad americana.

A finales de 1960 y principios de 1970 trabaja para el diario New York Times realizando reportajes sobre líderes militares y víctimas de la Guerra de Vietnam y manifestaciones anti-guerra en los Estados Unidos.

En 1976 publica su antología Portraits.

En el año 1979 comienza a realizar el que habría de convertirse en uno de sus trabajos más importantes: In the American West. En esta obra Avedon, por encargo del Museo Amon Carter dedicó cinco años a recorrer el oeste de los Estados Unidos para documentar a las personas que nunca escribirían la historia de su país. Nos presenta a granjeros, mineros, vagabundos, prostitutas, amas de casa, presos, vaqueros de rodeo, empleados de pequeñas oficinas, etc. en fotografías de gran formato tomadas con luz de día, al aire libre y como siempre, ante un fondo blanco. Así se explicaba: "El fondo blanco aísla al sujeto de sí mismo y te permite explorar la geografía de su cara; el continente inexplorado en el rostro humano". Al término del proyecto, Avedon había recorrido un totál de 189 poblaciones en 17 estados; había fotografiado a 752 personas utilizando 17.000 placas de película. De esta colección, escogió 123 retratos que conformarían la serie In the American West 1979-1984.

En la Navidad de 1989 marchó a Alemania para documentar una ciudad dividida en dos mundos diferentes la noche que caía el Muro de Berlín.

En el año 1991 recibió el Premio Internacional de la Fundación Hasselblad.

Richard Avedon consiguió elevar la fotografía de moda al rango de lo artístico, al conseguir acabar con el mito de que las modelos debían proyectar indiferencia o sumisión. Trabajaba con modelos gráciles y elegantes con la agilidad de bailarinas de ballet y capacidad para reir y expresarse con facilidad. Las imágenes de Avedon tenían un aire de espontaneidad y una frescura nunca antes vista en el género de fotografía de moda. No parecían imágenes totalmente posadas, pero queda claro que eran pensadas y planeadas meticulosamente.

El retrato como género le llevó a la cúspide. Sus retratos, aparentemente sencillos pero profundamente psicológicos, de personalidades famosas y desconocidas posando frente a un inmaculado fondo blanco, muestran a un cuidadoso fotógrafo capaz de plasmar en papel fotográfico rasgos inesperados de los rostros de personajes de la envergadura de Truman Capote, Henry Miller, Humphrey Bogart o Marylin Monroe, entre muchos otros. Su método era sencillo pero efectivo: la derrota anímica del contrario fotografiado a través de largas y cansadas sesiones de hasta cuatro horas. Así, desnudo, el retratado era capaz de mostrar su personalidad más sincera. Avedon acechaba a sus modelos literalmente. Podía pasar una hora merodeando a su sujeto hasta que llegaba el momento exacto de oprimir el obturador. La emboscada era la clave para producir imágenes poderosas.

Además del gran formato utilizado para sus fotografías de moda o retratos, desarrolló una obra en paralelo, utilizando el paso universal, que refleja sus vivencias más personales, como viajes o recuerdos familiares.

Algo muy profundo subyace a lo largo de toda la obra de Avedon. El tiempo, la vejez y sus tensiones, resulta ser el motivo fundamental en la obra de Avedon. Vemos en su arte cómo nos habla directamente del paso del tiempo y su influencia en el ser humano, y, cómo no, del camino hacia la muerte. Son esos retratos descontextualizados que aparecen ante la cámara sin maquillaje, fatigados o tristes, tal y como se encontraban en ese momento, los que claramente denotan esta inquietud. El final de su libro Portraits (1976), por ejemplo, culmina de forma tremenda pero magistralmente tratada con una serie de siete fotografías de su padre envejeciendo gradualmente hasta que parece haberse integrado en la luz que le rodea.

El 25 de septiembre de 2004 Avedon sufrió una hemorragia cerebral en San Antonio, Texas, mientras se encontraba en una sesión fotográfica.

Información: WikipediaCada día un fotógrafo.comoscar en fotos.com

Aquí podeis disfrutar de su obra: Web oficial de Richard Avedon

Este mes he disfrutado muchísimo con el reto. El dia que me senté a profundizar y visualizar la obra de Richard Avedon para escoger sobre qué imágenes iba a trabajar me quedé literalmente pegada a la silla, estuve más de dos horas viendo sus retratos y leyendo su biografía. Me quedé prendada de su dominio de la técnica pero, lo que más me llamó la atención fue su capacidad para captar la esencia, el alma de quienes fotografió, fueran anónimos o célebres. Tenía un don para eso, y con eso se nace, estoy segura.

He tenido la suerte además de tener mi mes de vacaciones en Julio. con lo cual he tenido mucho más tiempo y relax para trabajar en mis imágenes. Escogí esta sesión que Avedon realizó en 1965 para la revista Harpers Bazaar y me puse en contacto con mis amigos Víctor y Mara, porque me encajaban perfectamente como Steve McQueen y Jane Shrimpton. Ellos, que son un cielo, me reservaron un fin de semana, me abrieron las puertas de su casa, y lo dieron todo, el 110%, para que la sesión saliera bien. Mara compró atrezzo, se maquilló, se peinó, preparó todo el vestuario conmigo (habiamos hablado de todos los detalles días antes y ella es muy previsora) y Victor se arregló como para una boda :) Pasamos una mañana divertida, y los problemillas que fueron surgiendo ellos me ayudaron a solventarlos. Todo salió perfecto. Con modelos así da gusto emprender retos como éste. Gracias infinitas por vuestra paciencia, disposición y generosidad ♥ ♥ ♥

Los dos son muy artistas. Mara es la vocalista del grupo Sounds of Apollo y también escritora, es la fundadora de la revista digital Lupus in Fábula donde tiene una sección en la que escribe una novela seriada llamada "El alfabeto oscuro". Tiene una voz preciosa y un don para escribir muy especial.
Víctor es el creador y presentador de un programa de música negra llamado El Ghetto. Lleva cinco temporadas emitiendo on line y está posicionado como uno de los mejores programas del panorama nacional de este género en el medio virtual. Sin duda lo merece porque es un crack!!

Esta es la sesión original de Avedon en la que me he inspirado:

Steve McQueen y Jane Shrimpton, 1965. Harpers Bazaar

y estas son las fotografías resultantes de mi trabajo del mes. Espero que os gusten!!







Y también quiero dar las gracias a mi chico por hacer de modelo para esta fotografía que Avedon le sacó al boxeador Joe Louis, en 1963. Gracias por estar ahí y ayudarme siempre!! ♥ 



"Algunas veces pienso que todas mis fotografías son fotografías de mí mismo. Mi preocupación es … la condición humana; sólo que considero que la condición humana puede ser, simplemente, la mía propia. Todas las fotografías son exactas. Ninguna es verdadera."
Richard Avedon